סרגיי וסילייביץ' רחמנינוף |

סרגיי רחמנינוף

והייתה לי ארץ מולדת; הוא נפלא! A. Pleshcheev (מ G. Heine)

רחמנינוב נוצר מפלדה וזהב; פלדה בידיו, זהב בליבו. אני הופמן

"אני מלחין רוסי, והמולדת שלי הותירה את חותמה על האופי שלי ועל השקפותיי". המילים הללו שייכות לש' רחמנינוב, המלחין הגדול, הפסנתרן והמנצח המבריק. כל האירועים החשובים ביותר בחיי החברה והאמנות הרוסיים באו לידי ביטוי בחייו היצירתיים, והותירו חותם בל יימחה. ההתהוות והפריחה של יצירתו של רחמנינוב נופלת על שנות ה-1890-1900, תקופה שבה התרחשו התהליכים המורכבים ביותר בתרבות הרוסית, הדופק הרוחני הלם בקדחתנות ובעצבנות. התחושה הלירית החריפה של העידן הגלום ברחמנינוב הייתה קשורה תמיד לדמותה של מולדתו האהובה, עם אינסוף מרחביה הרחבים, העוצמה והתעוזה האלימה של כוחות היסוד שלה, השבריריות העדינה של הטבע האביבי הפורח.

כישרונו של רחמנינוב בא לידי ביטוי מוקדם ובבהירות, אם כי עד גיל שתים עשרה לא גילה להט רב לשיעורי נגינה שיטתיים. הוא החל ללמוד לנגן בפסנתר בגיל 4, בשנת 1882 התקבל לקונסרבטוריון סנט פטרסבורג, שם, לנפשו, הוא די התעסק, ובשנת 1885 הוא הועבר לקונסרבטוריון מוסקבה. כאן למד רחמנינוף פסנתר אצל נ' זברב, אז א' סילוטי; במקצועות עיוניים וקומפוזיציה – עם ש' טנייב וא' ארנסקי. בהיותו בפנסיון עם זברב (1885-89), עבר בית ספר קשה, אך סביר ביותר, של משמעת עבודה, שהפכה אותו מאדם עצלן ושובב נואש לאדם אסוף וחזק רצון יוצא דופן. "הטוב ביותר שיש בי, אני חייב לו," - כך אמר לימים רחמנינוב על זברב. בקונסרבטוריון הושפע רחמנינוף מאוד מאישיותו של פ' צ'ייקובסקי, שבתורו עקב אחר התפתחותו של סריוז'ה החביב עליו ולאחר שסיים את לימודיו בקונסרבטוריון עזר להעלות את האופרה אלקו בתיאטרון הבולשוי, בידיעה שלו. חוויה עצובה משלו כמה קשה למוזיקאי מתחיל לכוון את הדרך שלך.

רחמנינוב סיים את לימודיו בקונסרבטוריון בפסנתר (1891) ובקומפוזיציה (1892) עם מדליית זהב גדולה. בשלב זה הוא כבר היה מחברם של מספר יצירות, כולל הפרלוד המפורסם בדו מינור, הרומנטיקה "בשתיקה של הלילה הסודי", הקונצ'רטו הראשון לפסנתר, האופרה "אלקו", שנכתבה כיצירת סיום. תוך 17 ימים בלבד! קטעי הפנטזיה שבאו לאחר מכן, אופ. 3 (1892), שלישייה אלגית "לזכר אמן גדול" (1893), סוויטה לשני פסנתרים (1893), רגעים של מוזיקה אופ. 16 (1896), רומנים, יצירות סימפוניות - "הצוק" (1893), קפריצ'יו על נושאים צועניים (1894) - אישרו את דעתו של רחמנינוב ככישרון חזק, עמוק ומקורי. הדימויים והלכי הרוח האופייניים לרחמנינוב מופיעים ביצירות אלו במגוון רחב - מהאבל הטרגי של "הרגע המוזיקלי" בדו מינור ועד לאפותיאוזה ההימנית של הרומנטיקה "מי מעיינות", מהלחץ הספונטני-רצוני הקשה של "רגע מוזיקלי" במי מינור לצבעי המים המשובחים ביותר של הרומנטיקה "אי".

החיים בשנים אלו היו קשים. החלטי ועוצמתי בביצועים וביצירתיות, רחמנינוף היה מטבעו אדם פגיע, שחווה לעתים קרובות ספק עצמי. מפריע לקשיים חומריים, אי סדר עולמי, שוטטות בפינות מוזרות. ולמרות שהוא נתמך על ידי אנשים קרובים אליו, בעיקר משפחת סאטן, הוא הרגיש בודד. ההלם החזק שנגרם כתוצאה מהכישלון של הסימפוניה הראשונה שלו, שבוצעה בסנט פטרסבורג במרץ 1897, הוביל למשבר יצירתי. במשך מספר שנים לא הלחין רחמנינוב דבר, אך פעילותו הביצועית כפסנתרן התעצמה, והוא ערך את הופעת הבכורה שלו כמנצח באופרה הפרטית של מוסקבה (1897). במהלך השנים הללו, הוא פגש את ל. טולסטוי, א. צ'כוב, אמני התיאטרון האמנותי, החל ידידות עם פיודור צ'אליאפין, אשר רחמנינוב נחשב לאחת "החוויות האמנותיות החזקות, העמוקות והעדינות ביותר". ב-1899 הופיע רחמנינוב לראשונה בחו"ל (בלונדון), וב-1900 ביקר באיטליה, שם הופיעו מערכונים של האופרה העתידית פרנצ'סקה דה רימיני. אירוע משמח היה העלאת האופרה Aleko בסנט פטרבורג לרגל יום השנה ה-100 של א. פושקין עם חליפין בתור Aleko. כך, נקודת מפנה פנימית הוכנה בהדרגה, ובתחילת שנות ה-1900. הייתה חזרה ליצירתיות. המאה החדשה התחילה עם הקונצ'רטו השני לפסנתר, שנשמע כמו אזעקה אדירה. בני זמננו שמעו בו את קולו של הזמן עם המתח, הנפיצות שלו ותחושת השינויים הממשמשים ובאים. כעת ז'אנר הקונצרט הופך למוביל, בו הרעיונות העיקריים מגולמים במלוא השלמות וההכלה. שלב חדש מתחיל בחייו של רחמנינוב.

הכרה כללית ברוסיה ומחוצה לה זוכה לפעילות הפסנתרנית והמנצח שלו. שנתיים (2-1904) עבד רחמנינוב כמנצח בתיאטרון הבולשוי, והשאיר בהיסטוריה שלו את זכר ההפקות הנפלאות של אופרות רוסיות. בשנת 06 השתתף בקונצרטים ההיסטוריים הרוסיים שאורגן על ידי ש. דיאגילב בפריז, בשנת 1907 הופיע לראשונה באמריקה, שם ניגן את הקונצ'רטו השלישי לפסנתר בניצוחו של ג' מאהלר. פעילות קונצרטית אינטנסיבית בערי רוסיה ומחוצה לה שולבה עם יצירתיות אינטנסיבית לא פחות, ובמוזיקה של העשור הזה (בקנטטה "אביב" – 1909, בפרלודים אופ' 1902, בגמר הסימפוניה השנייה ו הקונצ'רטו השלישי) יש הרבה התלהבות והתלהבות נלהבת. וביצירות כמו הרומנים "לילך", "טוב כאן", בפרלודים בדו מז'ור ובז' מז'ור, "המוזיקה של כוחות הטבע המזמרים" נשמעה בחדירה מדהימה.

אבל באותן שנים מורגשים גם מצבי רוח אחרים. מחשבות עצובות על המולדת וגורלה העתידי, הרהורים פילוסופיים על חיים ומוות מולידים תמונות טרגיות של סונטת הפסנתר הראשונה, בהשראת פאוסט של גתה, השיר הסימפוני "אי המתים" המבוסס על ציורו של האמן השוויצרי A. Böcklin (1909), עמודים רבים של הקונצ'רטו השלישי, רומנים אופ. 26. שינויים פנימיים נראו בולטים במיוחד לאחר 1910. אם בקונצ'רטו השלישי מתגברים בסופו של דבר על הטרגדיה והקונצ'רטו מסתיים באפותיאוזה צוהלת, הרי שביצירות שלאחריו הוא מעמיק ללא הרף, ומביא לחיים דימויים תוקפניים, עוינים, קודרים, מצבי רוח מדוכאים. השפה המוזיקלית הופכת מורכבת יותר, הנשימה המלודית הרחבה כל כך האופיינית לרחמנינוב נעלמת. כאלה הם השיר הווקאלי-סימפוני "הפעמונים" (על הרחוב E. Poe, בתרגום ק. באלמונט - 1913); רומנים אופ. 34 (1912) ואופ. 38 (1916); אטיודים-ציורים אופ. 39 (1917). עם זאת, בתקופה זו יצר רחמנינוב יצירות מלאות במשמעות אתית גבוהה, שהפכו להאנשה של יופי רוחני מתמשך, לשיא הלחן של רחמנינוב – "Vocalise" ו"משמרת כל הלילה" למקהלה א-קפלה (1915). "מאז ילדותי, אני מוקסם מהמנגינות המרהיבות של אוקטואיק. תמיד הרגשתי שצריך סגנון מיוחד ומיוחד לעיבוד המקהלה שלהם, ונראה לי שמצאתי אותו ב"וספרס". אני לא יכול שלא להתוודות. שהביצוע הראשון שלו על ידי מקהלת הסינודל של מוסקבה נתן לי שעה של הנאה משמחת ביותר", נזכר רחמנינוב.

ב-24 בדצמבר 1917 עזבו רחמנינוב ומשפחתו את רוסיה, כפי שהתברר, לנצח. במשך יותר מרבע מאה הוא חי בארץ זרה, בארה"ב, והתקופה הזו הייתה מלאה בעיקר בפעילות קונצרטית מתישה, בכפוף לחוקים האכזריים של עסקי המוזיקה. רחמנינוב השתמש בחלק ניכר משכר הטרחה שלו כדי לספק תמיכה חומרית לבני ארצו בחו"ל וברוסיה. אז, כל האוסף להופעה באפריל 1922 הועבר לטובת המורעבים ברוסיה, ובסתיו 1941 שלח רחמנינוב יותר מארבעת אלפים דולר לקרן הסיוע של הצבא האדום.

בחוץ לארץ חי רחמנינוף בבידוד, והגביל את מעגל חבריו לעולים מרוסיה. חריג נעשתה רק עבור משפחתו של פ' שטיינווי, ראש חברת הפסנתר, שעמה היו לרחמנינוב יחסי ידידות.

בשנים הראשונות לשהותו בחו"ל, לא עזב רחמנינוב את המחשבה על אובדן ההשראה היצירתית. "אחרי שעזבתי את רוסיה, איבדתי את החשק להלחין. לאחר שאיבדתי את מולדתי, איבדתי את עצמי". רק 8 שנים לאחר שעזב לחו"ל, רחמנינוב חוזר ליצירתיות, יוצר את הקונצ'רטו הרביעי לפסנתר (1926), שלושה שירים רוסיים למקהלה ותזמורת (1926), וריאציות על נושא של קורלי לפסנתר (1931), רפסודיה על נושא פגניני (1934), סימפוניה שלישית (1936), "ריקודים סימפוניים" (1940). עבודות אלו הן העלייה האחרונה והגבוהה ביותר של רחמנינוף. תחושה נוגה של אובדן בלתי הפיך, געגועים יוקדים לרוסיה מולידים אמנות בעלת עוצמה טרגית עצומה, המגיעה לשיאה בריקודים הסימפוניים. ובסימפוניה השלישית המבריקה מגלם רחמנינוף את הנושא המרכזי של יצירתו בפעם האחרונה - דמות המולדת. המחשבה האינטנסיבית המרוכזת בחומרה של האמן מעוררת אותו ממעמקי מאות שנים, הוא מתעורר כזיכרון יקר לאין שיעור. בשזירה מורכבת של נושאים, פרקים מגוונים, מתגלה פרספקטיבה רחבה, נוצר מחדש אפוס דרמטי של גורל המולדת, המסתיים באישור חיים מנצח. כך שבאמצעות כל יצירותיו של רחמנינוף הוא נושא את חוסר ההפרה של עקרונותיו האתיים, רוחניות גבוהה, נאמנות ואהבה בלתי נמנעת לארץ המולדת, שהאנשה שלה הייתה אמנותו.

אווריאנובה

• מוזיאון-נחלה של רחמנינוב באיבנובקה →
• יצירות פסנתר מאת רחמנינוף →
• יצירות סימפוניות של רחמנינוף →
• האמנות הקאמרית-אינסטרומנטלית של רחמנינוב →
• יצירות אופרה מאת רחמנינוף →
• יצירות מקהלה מאת רחמנינוף →
• רומנים מאת רחמנינוף →
• רחמנינוב-מנצח →

מאפיינים של יצירתיות

סרגיי ואסילביץ' רחמנינוב, יחד עם סקריאבין, הוא אחת הדמויות המרכזיות במוזיקה הרוסית של שנות ה-1900. עבודתם של שני המלחינים הללו משכה תשומת לב רבה במיוחד של בני זמננו, הם התווכחו עליה בלהט, החלו דיונים מודפסים נוקבים סביב יצירותיהם האישיות. למרות כל השוני בין המראה האישי והמבנה הפיגורטיבי של המוזיקה של רחמנינוב וסקריאבין, שמותיהם הופיעו לעתים קרובות זה לצד זה במחלוקות הללו והושוו זה לזה. היו סיבות חיצוניות גרידא להשוואה כזו: שניהם היו תלמידי הקונסרבטוריון של מוסקבה, שסיימו אותו כמעט בו-זמנית ולמדו אצל אותם מורים, שניהם התבלטו מיד בקרב חבריהם בכוח ובבהירות כישרונם, וזכו להכרה שלא. רק כמלחינים מוכשרים במיוחד, אבל גם כפסנתרנים מצטיינים.

אבל היו גם הרבה דברים שהפרידו ביניהם ולפעמים שמו אותם על אגפים שונים של החיים המוזיקליים. החדשן הנועז סקריאבין, שפתח עולמות מוזיקליים חדשים, התנגד לרחמנינוב כאמן בעל חשיבה מסורתית יותר שביסס את עבודתו על היסודות האיתנים של המורשת הקלאסית הלאומית. "ג. רחמנינוב, כתב אחד המבקרים, הוא העמוד שסביבו מתקבצים כל אלופי הכיוון האמיתי, כל אלו המוקירים את היסודות שהניחו מוסורגסקי, בורודין, רימסקי-קורסקוב וצ'ייקובסקי.

עם זאת, למרות כל ההבדל בעמדותיהם של רחמנינוב וסקריאבין במציאותם המוזיקלית העכשווית, הם התאחדו לא רק על ידי התנאים הכלליים לגידול ולצמיחה של אישיות יוצרת בצעירותם, אלא גם על ידי כמה מאפיינים עמוקים יותר של משותף. . "כישרון מרדני וחסר מנוחה" - כך אופיינה פעם רחמנינוב בעיתונות. האימפולסיביות חסרת המנוחה הזו, ההתרגשות מהטון הרגשי, האופיינית ליצירתם של שני המלחינים, היא שהפכה אותה ליקרה וקרובה במיוחד למעגלים רחבים של החברה הרוסית בתחילת המאה ה- XNUMX, עם הציפיות, השאיפות והתקוות המודאגים שלהם. .

"סקריאבין ורחמנינוף הם שני 'שליטי המחשבות המוזיקליות' של העולם המוזיקלי הרוסי המודרני <...> כעת הם חולקים הגמוניה בינם לבין עצמם בעולם המוזיקלי", הודה LL Sabaneev, אחד המתנצלים הקנאים ביותר לראשון ול יריב עיקש ומלעיל לא פחות של השני. מבקר אחר, מתון יותר בשיפוטיו, כתב במאמר שהוקדש לתיאור השוואתי של שלושת הנציגים הבולטים של האסכולה המוסיקלית במוסקבה, טנייב, רחמנינוב וסקריאבין: נימת החיים המודרניים, עזים בקדחתנות. שתיהן הן התקוות הטובות ביותר של רוסיה המודרנית".

במשך תקופה ארוכה שלטה ראייתו של רחמנינוב כאחד מיורשים וממשיכיו הקרובים ביותר של צ'ייקובסקי. השפעתו של המחבר של "מלכת הספידים" ללא ספק מילאה תפקיד משמעותי בגיבוש ובפיתוח יצירתו, וזה די טבעי לבוגר הקונסרבטוריון של מוסקבה, סטודנט של AS Arensky ו-SI Taneyev. במקביל, הוא גם קלט כמה מהמאפיינים של אסכולת המלחינים "פטרסבורג": הליריקה הנרגשת של צ'ייקובסקי משולבת ברחמנינוב עם ההוד האפי הקשה של בורודין, חדירתו העמוקה של מוסורגסקי למערכת החשיבה המוזיקלית הרוסית העתיקה. התפיסה הפואטית של טבעו המולד של רימסקי-קורסקוב. עם זאת, כל מה שנלמד ממורים ומקודמים חשב מחדש לעומק על ידי המלחין, ציית לרצונו היצירתי החזק, וקיבל אופי אינדיבידואלי חדש ועצמאי לחלוטין. הסגנון המקורי של רחמנינוב הוא בעל שלמות פנימית ואורגניות רבה.

אם נחפש לו הקבלות בתרבות האמנותית הרוסית של תחילת המאה, אז זהו, קודם כל, קו צ'כוב-בונין בספרות, הנופים הליריים של לויתן, נסטרוב, אוסטרוכוב בציור. הקבלות אלה צוינו שוב ושוב על ידי מחברים שונים והפכו כמעט לסטריאוטיפים. ידוע באיזו אהבה וכבוד נלהב התייחס רחמנינוב לעבודתו ואישיותו של צ'כוב. כבר בשנות חייו המאוחרות יותר, בקריאת מכתבי הסופר, התחרט על שלא פגש אותו מקרוב יותר בזמנו. המלחין היה קשור לבונין במשך שנים רבות על ידי אהדה הדדית והשקפות אמנותיות משותפות. הם התקרבו ונקשרו על ידי אהבה נלהבת לטבעם הרוסי המולד, לסימני חיים פשוטים שכבר עוזבים בסביבתו המיידית של אדם לעולם הסובב אותו, הגישה הפואטית של העולם, הצבועה בעומק ליריות חודרת, הצמא לשחרור רוחני והצלה מהכבלים המגבילים את חירותו של האדם.

מקור ההשראה לרחמנינוב היה מגוון דחפים שנבעו מהחיים האמיתיים, מיופיו של הטבע, דימויים של ספרות וציור. "... אני מגלה," הוא אמר, "שרעיונות מוזיקליים נולדים בי בקלות רבה יותר בהשפעת רשמים חוץ-מוסיקליים מסוימים." אך יחד עם זאת, רחמנינוב שאף לא כל כך לשיקוף ישיר של תופעות מסוימות של המציאות באמצעות מוזיקה, ל"ציור בצלילים", אלא לביטוי של תגובתו הרגשית, רגשותיו וחוויותיו העולות בהשפעת שונות. רשמים שהתקבלו מבחוץ. במובן זה, אנו יכולים לדבר עליו כאחד הנציגים הבולטים והטיפוסיים ביותר של הריאליזם הפואטי של שנות ה-900, שהמגמה העיקרית שלו נוסחה בהצלחה על ידי VG Korolenko: "אנחנו לא רק משקפים תופעות כפי שהן ועושות. לא ליצור אשליה מתוך גחמה עולם לא קיים. אנו יוצרים או מגלים יחס חדש של הרוח האנושית לעולם הסובב שנולד בנו.

אחד המאפיינים האופייניים למוזיקה של רחמנינוב, שמושך תשומת לב קודם כל בהיכרות עמה, הוא הלחן האקספרסיבי ביותר. בקרב בני דורו, הוא בולט ביכולתו ליצור מנגינות נפרשות רחבות וארוך של נשימה גדולה, המשלבת את היופי והפלסטיות של הרישום עם הבעה בהירה ואינטנסיבית. מלודיזם, מלודיות היא התכונה העיקרית של סגנונו של רחמנינוב, הקובע במידה רבה את אופי החשיבה ההרמונית של המלחין ואת המרקם של יצירותיו, הרווי, ככלל, בקולות עצמאיים, או נעים לקדמת הבמה, או נעלמים לתוך צפוף צפוף. בד צליל.

רחמנינוף יצר סוג מאוד מיוחד משלו של לחן, המבוסס על שילוב של הטכניקות האופייניות של צ'ייקובסקי - פיתוח מלודי דינמי אינטנסיבי בשיטת טרנספורמציות וריאנטיות, המתבצע בצורה חלקה ורגועה יותר. לאחר המראה מהירה או עלייה אינטנסיבית ארוכה לפסגה, המנגינה, כביכול, קופאת ברמה שהושגה, חוזרת תמיד לצליל אחד שהושר מזמן, או לאט לאט, עם מדפים נישאים, חוזרת לגובהה המקורי. היחס ההפוך אפשרי גם, כאשר שהות ממושכת פחות או יותר באזור אחד בגובה מצומצם נשברת לפתע על ידי מהלך המנגינה לפרק זמן רחב, ומכניסה גוון של ביטוי לירי חד.

בחדירה כזו של דינמיקה וסטטיקה, LA Mazel רואה את אחד המאפיינים האופייניים ביותר ללחן של רחמנינוב. חוקר אחר מייחס משמעות כללית יותר ליחס העקרונות הללו ביצירתו של רחמנינוב, ומצביע על חילופי רגעי "בלימה" ו"פריצת דרך" העומדים בבסיס רבות מיצירותיו. (סמנכ"ל בוברובסקי מביע רעיון דומה ומציין כי "נס האינדיבידואליות של רחמנינוף טמון באחדות האורגנית הייחודית של שתי נטיות מכוונות מנוגדות והסינתזה שלהן הטבועה רק בו" - שאיפה אקטיבית ונטייה "להישאר זמן רב במה שהיה". הושג."). נטייה לליריקה מהורהרת, טבילה ממושכת באיזה מצב נפשי אחד, כאילו המלחין רצה לעצור את הזמן החולף, הוא בשילוב עם אנרגיה חיצונית עצומה וזוהרת, צימאון לאישור עצמי אקטיבי. מכאן החוזק והחדות של הניגודים במוזיקה שלו. הוא ביקש להביא כל תחושה, כל מצב נפשי לדרגת ביטוי קיצונית.

בלחנים הליריים הנפרשים בחופשיות של רחמנינוב, עם נשימתם הארוכה והבלתי פוסקת, שומעים לעתים קרובות משהו הדומה לרוחבו ה"בלתי נמנע" של שיר העם הרוסי המתמשך. אולם יחד עם זאת, הקשר בין היצירתיות של רחמנינוב לכתיבת שירים עממיים היה בעל אופי מאוד עקיף. רק במקרים נדירים ומבודדים פנה המלחין לשימוש במנגינות עממיות אמיתיות; הוא לא שאף לדמיון ישיר של המנגינות שלו עם אלה העממיות. "ברחמנינוב", מציין בצדק מחבר יצירה מיוחדת על המנגינות שלו, "רק לעתים נדירות מופיע קשר ישיר עם ז'אנרים מסוימים של אמנות עממית. באופן ספציפי, נדמה שהז'אנר מתמוסס לעתים קרובות ב"תחושה" הכללית של הפולק ואינו, כפי שהיה עם קודמיו, ההתחלה המלטשת של כל תהליך העיצוב וההפיכה לדימוי מוזיקלי. תשומת הלב הופנתה שוב ושוב למאפיינים אופייניים כאלה של הלחן של רחמנינוב, המקרבים אותו לשיר העם הרוסי, כגון חלקות התנועה עם דומיננטיות של מהלכים צעדיים, דיאטוניות, שפע של פניות פריגיות וכו'. הטמעה עמוקה ואורגנית. על ידי המלחין, תכונות אלו הופכות לנכס בלתי מנוצח של סגנונו של המחבר האישי, ורוכשות צביעה אקספרסיבית מיוחדת ומיוחדת רק לו.

הצד השני של הסגנון הזה, מרשים שאין לעמוד בפניו כמו העושר המלודי של המוזיקה של רחמנינוב, הוא קצב אנרגטי בצורה יוצאת דופן, כובש בצורה קפדנית ובו בזמן גמיש, לפעמים גחמני. גם בני דורו של המלחין וגם חוקרים מאוחרים יותר כתבו רבות על מקצב רחמנינוב ספציפי זה, שמושך את תשומת ליבו של המאזין באופן לא רצוני. לעתים קרובות, הקצב הוא זה שקובע את הטון הראשי של המוזיקה. AV אוסובסקי ציין בשנת 1904 לגבי הפרק האחרון של הסוויטה השנייה לשני פסנתרים כי רחמנינוב בו "לא פחד להעמיק את העניין הקצבי של צורת הטרנטלה לנפש חסרת מנוחה וחשוכה, שאינה זרה להתקפות של דמוניזם כלשהו. פִּי."

הקצב מופיע אצל רחמנינוב כנושא של עיקרון רצוני אפקטיבי המעניק דינמיות של המרקם המוזיקלי ומכניס "מבול של רגשות" לירי לזרם המרכזי של שלם שלם מבחינה ארכיטקטונית הרמונית. BV Asafiev, בהשוואה לתפקיד העיקרון הקצבי ביצירותיהם של רחמנינוב וצ'ייקובסקי, כתב: "עם זאת, באחרון, האופי הבסיסי של הסימפוניה" חסרת המנוחה שלו התבטא בעוצמה מיוחדת בהתנגשות הדרמטית של הנושאים עצמם. במוזיקה של רחמנינוב, הלהט מאוד בשלמותו היצירתית, האיחוד של מחסן התחושה הלירי-מהורהר עם המחסן הארגוני בעל הרצון החזק של ה"אני" של המלחין-המבצע מתגלה כ"ספירה אינדיבידואלית" של התבוננות אישית, שנשלט על ידי קצב במשמעות של הגורם הרצוני ... ". התבנית הקצבית ברחמנינוב תמיד מתוארת בצורה ברורה מאוד, ללא קשר אם הקצב פשוט, אפילו, כמו פעימות כבדות ומדודות של פעמון גדול, או מורכב, פרחוני מורכב. אהוב על המלחין, במיוחד ביצירות של שנות ה-1910, אוסטינאטו קצבי נותן לקצב לא רק משמעות מעצבת, אלא במקרים מסוימים גם משמעות נושאית.

בתחום ההרמוניה, רחמנינוב לא חרג ממערכת מז'ור-מינור קלאסית בצורה שרכשה ביצירתם של מלחינים רומנטיים אירופיים, צ'ייקובסקי ונציגי החופן האדיר. המוזיקה שלו תמיד מוגדרת טונלית ויציבה, אבל בשימוש באמצעים של הרמוניה טונאלית קלאסית-רומנטית, הוא אופיינה בכמה מאפיינים אופייניים שבאמצעותם לא קשה לבסס את מחברו של חיבור כזה או אחר. בין מאפיינים אישיים מיוחדים כאלה של השפה ההרמונית של רחמנינוב נמנים, למשל, האיטיות הידועה של התנועה הפונקציונלית, הנטייה להישאר זמן רב במפתח אחד ולעיתים היחלשות כוח הכבידה. תשומת הלב מופנית לשפע של תצורות מרובי-טרט מורכבות, שורות של אקורדים לא-ולא-עשרוניים, שלעתים קרובות יש להם משמעות יותר צבעונית, קולית מאשר פונקציונלית. החיבור של הרמוניות מורכבות מסוג זה מתבצע בעיקר בעזרת חיבור מלודי. הדומיננטיות של האלמנט המלודי-שיר במוזיקה של רחמנינוב קובעת את מידת הרוויה הפוליפונית הגבוהה של מארג הצליל שלה: קומפלקסים הרמוניים בודדים מתעוררים ללא הרף כתוצאה מתנועה חופשית של קולות "שרים" עצמאיים פחות או יותר.

ישנה תפנית הרמונית אהובה אחת על ידי רחמנינוב, שבה השתמש לעתים קרובות כל כך, במיוחד בחיבורים של התקופה המוקדמת, שהוא אפילו קיבל את השם "ההרמוניה של רחמנינוב". מחזור זה מבוסס על אקורד שביעית מבוא מופחת של מינור הרמוני, המשמש בדרך כלל בצורה של טרצקוורטאקורד עם החלפת II Grade III ורזולוציה לשלשה טוניקית בעמדה השלישית המלודית.

המעבר לקוורט מצומצם שעולה במקרה זה בקול המלודי מעורר תחושת אבל נוקבת.

כאחד המאפיינים המדהימים של המוזיקה של רחמנינוב, מספר חוקרים ומשקיפים ציינו את הצביעה המינורית השולטת בה. כל ארבעת הקונצ'רטו לפסנתר שלו, שלוש סימפוניות, שתי הסונטות לפסנתר, רוב האטודים-תמונות ויצירות רבות אחרות נכתבו במינורי. אפילו מייג'ור מקבל לעתים קרובות צבע מינורי עקב ירידה בשינויים, סטיות טונאליות ושימוש נרחב במדרגות צד מינוריות. אך מעטים המלחינים השיגו מגוון כה רב של ניואנסים ודרגות של ריכוז אקספרסיבי בשימוש במפתח המינורי. הערתו של LE Gakkel כי באיטיודים-ציורים על. 39 "בהתחשב במגוון הרחב ביותר של צבעי הוויה מינוריים, גוונים מינוריים של תחושת חיים" ניתן להרחיב לחלק משמעותי מכל יצירתו של רחמנינוף. מבקרים כמו סבנייב, שנטרה עוינות עם דעות קדומות כלפי רחמנינוב, כינו אותו "בכיין אינטליגנטי", שהמוזיקה שלו משקפת את "חוסר האונים הטרגי של אדם נטול כוח רצון". בינתיים, המינור ה"כהה" הצפוף של רחמנינוב נשמע לעתים קרובות אמיץ, מחאה ומלא מתח רצוני אדיר. ואם פתקים נוגים נתפסים באוזן, אז זה "צערו האצילי" של האמן הפטריוטי, אותה "גניחה עמומה על ארץ המולדת", שנשמעה על ידי מ' גורקי בכמה מיצירותיו של בונין. כמו סופר זה הקרוב אליו ברוחו, רחמנינוב, כדברי גורקי, "חשבה על רוסיה כולה", מתחרטת על אובדנה וחווה חרדה לגורל העתיד.

הדימוי היצירתי של רחמנינוב על מאפייניו העיקריים נותר אינטגרלי ויציב לאורך מסעו של חצי המאה של המלחין, מבלי לחוות שברים ושינויים חדים. עקרונות אסתטיים וסגנוניים, למד בצעירותו, הוא היה נאמן לשנים האחרונות לחייו. עם זאת, אנו יכולים להבחין באבולוציה מסוימת ביצירתו, המתבטאת לא רק בצמיחה של מיומנות, העשרת פלטת הצלילים, אלא גם משפיעה חלקית על המבנה הפיגורטיבי והאקספרסיבי של המוזיקה. במסלול זה, שלוש תקופות גדולות, אם כי אינן שוות הן מבחינת משך הזמן והן מבחינת מידת התפוקה שלהן, מתוארות בבירור. הם תוחמים זה מזה על ידי גזירות זמניות ממושכות פחות או יותר, רצועות של ספק, הרהור והיסוס, כשמפרי עטו של המלחין לא יצאה אפילו יצירה אחת שהושלמה. התקופה הראשונה, שנופלת בשנות ה-90 של המאה ה- XNUMX, יכולה להיקרא תקופה של התפתחות יצירתית והתבגרות של כישרון, שהלך כדי לטעון את דרכו באמצעות התגברות על השפעות טבעיות בגיל צעיר. העבודות של תקופה זו לרוב עדיין אינן עצמאיות מספיק, לא מושלמות בצורה ומרקם. (חלקם (קונצ'רטו ראשון לפסנתר, שלישייה אלגית, קטעי פסנתר: מלודיה, סרנדה, הומורסק) תוקנו מאוחר יותר על ידי המלחין והמרקם שלהם הועשר ופותח.), למרות שבמספר דפים שלהם (מיטב הרגעים של אופרת הנעורים "אלקו", השלישייה האלגית לזכרו של PI צ'ייקובסקי, הפרלוד המפורסם בסי מינור, כמה מהרגעים המוזיקליים והרומנים), האינדיבידואליות של המלחין כבר נחשף בוודאות מספקת.

הפסקה בלתי צפויה מגיעה ב-1897, לאחר הביצוע הלא מוצלח של הסימפוניה הראשונה של רחמנינוב, יצירה שהמלחין השקיע בה הרבה עבודה ואנרגיה רוחנית, שרוב המוזיקאים לא הובנה כהלכה וכמעט פה אחד על דפי העיתונות, אפילו נלעג. על ידי חלק מהמבקרים. כישלון הסימפוניה גרם לטראומה נפשית עמוקה ברחמנינוף; על פי הוידוי שלו, מאוחר יותר, הוא "היה כמו אדם שעבר שבץ ושבמשך זמן רב איבד את ראשו ואת ידיו". שלוש השנים הבאות היו שנים של שקט יצירתי כמעט מוחלט, אך בו בזמן הרהורים מרוכזים, הערכה מחודשת ביקורתית של כל מה שנעשה קודם לכן. התוצאה של העבודה הפנימית האינטנסיבית הזו של המלחין על עצמו הייתה עלייה יצירתית אינטנסיבית ובהירה בצורה יוצאת דופן בתחילת המאה החדשה.

במהלך שלוש או ארבע השנים הראשונות של המאה ה-23, יצר רחמנינוב מספר יצירות מז'אנרים שונים, יוצאי דופן בשירתן העמוקה, רעננותן ומיידיות ההשראה, שבהן עושר הדמיון היצירתי ומקוריות "כתב ידו" של המחבר. משולבים עם אומנות מוגמרת גבוהה. ביניהם הקונצ'רטו השני לפסנתר, הסוויטה השנייה לשני פסנתרים, הסונטה לצ'לו ופסנתר, הקנטטה "אביב", עשר פרלודים אופ. XNUMX, האופרה "פרנצ'סקה דה רימיני", כמה מהדוגמאות הטובות ביותר למילים הווקאליות של רחמנינוב ("לילך", "קטע מא. מוסט"), סדרת יצירות זו ביססה את מעמדה של רחמנינוב כאחד המלחינים הרוסיים הגדולים והמעניינים ביותר. של זמננו, מביאים לו הכרה רחבה בחוגי האינטליגנציה האמנותית ובין המוני המאזינים.

פרק זמן קצר יחסית מ-1901 עד 1917 היה הפורה ביותר ביצירתו: במהלך העשור וחצי הזה נכתבו רוב היצירות הבוגרות, העצמאיות בסגנונו של רחמנינוב, שהפכו לחלק בלתי נפרד מהקלאסיקה המוזיקלית הלאומית. כמעט כל שנה הביאה אופוסים חדשים, שהופעתם הפכה לאירוע בולט בחיים המוזיקליים. עם הפעילות היצירתית הבלתי פוסקת של רחמנינוף, יצירתו לא נותרה על כנה בתקופה זו: במפנה שני העשורים הראשונים ניכרים בה סימפטומים של תזוזה מתבשלת. מבלי לאבד את האיכויות ה"גנריות" הכלליות שלו, הוא הופך לחמור יותר בטון, מצבי רוח מטרידים מתעצמים, בעוד שהפליטה הישירה של התחושה הלירית נראית מואטת, צבעים שקופים בהירים מופיעים לעתים רחוקות יותר בפלטת הצלילים של המלחין, הצבע הכללי של המוזיקה מתכהה ומתעבה. שינויים אלה ניכרים בסדרה השנייה של פרלודים לפסנתר, אופ. 32, שני מחזורים של אטיודים-ציורים, ובעיקר קומפוזיציות גדולות מונומנטליות כמו "הפעמונים" ו"משמרת כל הלילה", המעלות שאלות עמוקות ויסודיות של הקיום האנושי ותכלית חייו של אדם.

האבולוציה שחווה רחמנינוב לא חמקה מעיני בני דורו. אחד המבקרים כתב על הפעמונים: "נדמה שרחמנינוב החל לחפש מצבי רוח חדשים, דרך חדשה להביע את מחשבותיו... אתה מרגיש כאן את הסגנון החדש של רחמנינוב, שאין לו שום דבר במשותף עם הסגנון של צ'ייקובסקי. ”

לאחר 1917 מתחילה הפסקה חדשה בעבודתו של רחמנינוב, הפעם ארוכה בהרבה מהקודמת. רק לאחר עשור שלם חזר המלחין להלחין מוזיקה, לאחר שעיבד שלושה שירי עם רוסיים למקהלה ותזמורת והשלים את הקונצ'רטו הרביעי לפסנתר, שהחל ערב מלחמת העולם הראשונה. במהלך שנות ה-30 הוא כתב (למעט כמה תעתיקי קונצרטים לפסנתר) רק ארבעה, עם זאת, משמעותיים מבחינת הרעיון של יצירות מרכזיות.

* * *

בסביבה של חיפושים מורכבים, לעתים סותרים, מאבק כיוונים חריף ואינטנסיבי, התמוטטות של צורות התודעה האמנותית הרגילות שאפיינו את התפתחות האמנות המוזיקלית במחצית הראשונה של המאה ה- XNUMX, רחמנינוף נשאר נאמן לקלאסיקה הגדולה. מסורות של מוזיקה רוסית מגלינקה ועד בורודין, מוסורגסקי, צ'ייקובסקי, רימסקי-קורסקוב ותלמידיהם הקרובים והישירים של טאנייב, גלזונוב. אבל הוא לא הגביל את עצמו לתפקיד השומר של מסורות אלה, אלא תפס אותן באופן פעיל, יצירתי, תוך שהוא מביע את כוחן החי, הבלתי נדלה, את היכולת להמשך התפתחות והעשרה. אמן רגיש ומרשים, רחמנינוב, למרות דבקותו במצוות הקלאסיקה, לא נשאר חירש לקריאות המודרניות. ביחסו למגמות הסגנוניות החדשות של המאה ה- XNUMX, היה רגע לא רק של עימות, אלא גם של אינטראקציה מסוימת.

במשך תקופה של חצי מאה, יצירתו של רחמנינוב עברה אבולוציה משמעותית, והיצירות של לא רק שנות ה-1930, אלא גם שנות ה-1910 של המאה ה-XNUMX נבדלות באופן משמעותי הן במבנה הפיגורטיבי והן בשפה, אמצעי הביטוי המוזיקליים מהמוקדמות, עדיין לא. אופוסים עצמאיים לחלוטין מהסוף של הקודם. מאות שנים. בחלק מהם, המלחין בא במגע עם אימפרסיוניזם, סימבוליזם, ניאו-קלאסיציזם, אם כי באופן מוזר מאוד, הוא תופס באופן אינדיבידואלי את מרכיבי המגמות הללו. עם כל השינויים והתפניות, התדמית היצירתית של רחמנינוב נותרה פנימית מאוד אינטגרלית, תוך שמירה על המאפיינים הבסיסיים והמגדירים שהמוזיקה שלו חייבת את הפופולריות שלה למגוון הרחב ביותר של מאזינים: ליריות נלהבת, שובת לב, אמיתות וכנות של ביטוי, חזון פואטי של העולם .

אתה. בחייך

מנצח רחמנינוף

רחמנינוב נכנס להיסטוריה לא רק כמלחין וכפסנתרן, אלא גם כמנצח מצטיין של זמננו, אם כי הצד הזה של פעילותו לא היה כל כך ארוך ואינטנסיבי.

רחמנינוב ערך את הופעת הבכורה שלו כמנצח בסתיו 1897 באופרה הפרטית ממונטוב במוסקבה. לפני כן, הוא לא היה צריך להוביל תזמורת וללמוד ניצוח, אבל הכישרון המבריק של המוזיקאי עזר לרחמנינוב ללמוד במהירות את רזי השליטה. די להיזכר שבקושי הצליח להשלים את החזרה הראשונה: הוא לא ידע שהזמרים צריכים לציין את ההקדמות; וכמה ימים לאחר מכן, רחמנינוב כבר עשה את עבודתו בצורה מושלמת, וניצח על האופרה שמשון ודלילה של סן-סאנס.

"שנת שהותי באופרה ממונטוב הייתה בעלת חשיבות רבה עבורי", כתב. "שם רכשתי טכניקת מנצח אמיתית, שלימים שירתה אותי מאוד". במהלך עונת העבודה כמנצח השני של התיאטרון, ניצח רחמנינוב על עשרים וחמש הצגות של תשע אופרות: "שמשון ודלילה", "בת הים", "כרמן", "אורפיאוס" מאת גלוק, "רוגנדה" מאת סרוב, " מיניון" מאת טום, "קבר אסקולד", "כוח האויב", "לילה במאי". העיתונות ציינה מיד את הבהירות של סגנון המנצח שלו, הטבעיות, חוסר היציבה, תחושת הקצב הברזל המשודרת למבצעים, הטעם העדין וחוש נפלא של צבעי תזמורת. עם רכישת הניסיון, החלו המאפיינים הללו של רחמנינוף כמוזיקאי להתבטא במלואם, בתוספת ביטחון וסמכות בעבודה עם סולנים, מקהלה ותזמורת.

בשנים הבאות ניצח רחמנינוף, שעסק ביצירה ופעילות פסנתרנית, רק מדי פעם. תקופת הזוהר של כישרון הניצוח שלו נופל על התקופה 1904-1915. כבר שתי עונות הוא עובד בתיאטרון הבולשוי, שם זוכה הפרשנות שלו לאופרות רוסיות להצלחה מיוחדת. אירועים היסטוריים בחיי התיאטרון נקראים על ידי המבקרים הופעת יום השנה של איבן סוזנין, אותה ניצח לכבוד מאה שנה להולדת גלינקה, ושבוע צ'ייקובסקי, שבמהלכו ניצח רחמנינוב את מלכת הספידים, יוג'ין אונייגין, אופריצ'ניק. ובלטים.

מאוחר יותר ביים רחמנינוב את ההופעה של מלכת הספידים בסנט פטרבורג; המבקרים הסכימו שהוא היה הראשון שהבין והעביר לקהל את כל המשמעות הטרגית של האופרה. בין ההצלחות היצירתיות של רחמנינוב בתיאטרון הבולשוי ניתן למצוא גם את הפקת הפאן וובודה מאת רימסקי-קורסקוב והאופרות שלו "האביר הקמצן ופרנצ'סקה דה רימיני".

על במת הסימפונית, רחמנינוב כבר מהקונצרטים הראשונים הוכיח את עצמו כאמן שלם בקנה מידה ענק. הכינוי "מבריק" בהחלט ליווה ביקורות על הופעותיו כמנצח. לרוב הופיע רחמנינוב בעמדת המנצח בקונצרטים של החברה הפילהרמונית של מוסקבה, וכן עם תזמורות סילוטי וקוסביצקי. בשנים 1907-1913 ניהל הרבה בחו"ל - בערים צרפת, הולנד, ארה"ב, אנגליה, גרמניה.

הרפרטואר של רחמנינוב כמנצח היה רב גוני בצורה יוצאת דופן באותן שנים. הוא הצליח לחדור אל המגוונים ביותר בסגנון ובאופי היצירה. מטבע הדברים, המוזיקה הרוסית הייתה הכי קרובה אליו. הוא החיה על הבמה את סימפוניה בוגאטיר של בורודין, שכמעט נשכחה באותה תקופה, תרמה לפופולריות של המיניאטורות של ליאדוב, אותן ביצע בברק יוצא דופן. הפרשנות שלו למוזיקה של צ'ייקובסקי (בעיקר הסימפוניות הרביעית והחמישית) התאפיינה במשמעות ובעומק יוצאי דופן; ביצירותיו של רימסקי-קורסקוב, הוא הצליח לפרוש את סולם הצבעים הבהיר ביותר עבור הקהל, ובסימפוניות של בורודין וגלזונוב, הוא כבש את הקהל ברוחב אפי ובשלמות פרשנות דרמטית.

אחת מפסגות אמנות הניצוח של רחמנינוב הייתה הפרשנות של הסימפוניה בז'-מינור של מוצרט. המבקר וולפינג כתב: "מה המשמעות של סימפוניות כתובות ומודפסות רבות לפני הביצוע של רחמנינוב לסימפוניה ג' מול של מוצרט! ... הגאון האמנותי הרוסי שינה והציג בפעם השנייה את האופי האמנותי של מחבר הסימפוניה הזו. אנחנו יכולים לדבר לא רק על מוצרט של פושקין, אלא גם על מוצרט של רחמנינוב..."

יחד עם זה, אנו מוצאים בתכניותיו של רחמנינוב הרבה מוזיקה רומנטית – למשל הסימפוניה המופלאה של ברליוז, הסימפוניות של מנדלסון ופרנק, פתיח האוברון של ובר ושברים מהאופרות של וגנר, שירו ​​של ליסט והסוויטה הלירית של גריג... ולצדה – ביצוע מפואר מחברים מודרניים - שירים סימפוניים מאת ר' שטראוס, יצירות של האימפרסיוניסטים: דביסי, רוול, רוג'ר-דוקאסה... וכמובן, רחמנינוב היה מתורגמן שאין שני לו של היצירות הסימפוניות שלו. המוזיקולוג הסובייטי הידוע V. Yakovlev, ששמע את רחמנינוב יותר מפעם אחת, נזכר: "לא רק הציבור והמבקרים, חברי תזמורת מנוסים, פרופסורים, אמנים הכירו במנהיגותו כנקודה הגבוהה ביותר באמנות זו... שיטות העבודה שלו היו הצטמצם לא כל כך להצגה, אלא להפרדה של הערות, הסברים מכוער, לעתים קרובות הוא שר או בצורה כזו או אחרת הסביר את מה שחשב קודם לכן. כל מי שנכח בקונצרטים שלו זוכר את המחוות הרחבות והאופייניות של כל היד, לא מגיעות רק מהמכחול; לפעמים המחוות הללו שלו נחשבו מוגזמות בעיני חברי התזמורת, אבל הן היו מוכרות לו ומובנות בעיניהם. לא הייתה מלאכותיות בתנועות, תנוחות, לא השפעה, לא ציור ביד. הייתה תשוקה חסרת גבולות, שקדמה לה מחשבה, ניתוח, הבנה ותובנה לגבי הסגנון של המבצע.

נוסיף כי גם רחמנינוף המנצח היה נגן אנסמבל שאין שני לו; סולנים בקונצרטים שלו היו אמנים כמו טנייב, סקריאבין, סילוטי, הופמן, קאסלס, ובמופעי אופרה צ'ליאפין, נז'דנובה, סובינוב...

לאחר 1913 סירב רחמנינוף לבצע יצירות של יוצרים אחרים וניצח רק על יצירות משלו. רק בשנת 1915 הוא חרג מכלל זה בניצוח קונצרט לזכרו של סקריאבין. עם זאת, גם מאוחר יותר המוניטין שלו כמנצח היה גבוה בצורה יוצאת דופן ברחבי העולם. די לומר שמיד לאחר הגעתו לארצות הברית ב-1918, הוצעה לו הנהגת התזמורות הגדולות במדינה - בבוסטון ובסינסינטי. אבל באותה תקופה הוא כבר לא יכול היה להקדיש זמן לניצוח, נאלץ לנהל פעילות קונצרטית אינטנסיבית כפסנתרן.

רק בסתיו 1939, כשסודר בניו יורק מחזור קונצרטים מיצירותיו של רחמנינוב, הסכים המלחין לנצח על אחד מהם. תזמורת פילדלפיה ביצעה אז את הסימפוניה השלישית והפעמונים. הוא חזר על אותה תוכנית ב-1941 בשיקגו, ושנה לאחר מכן ביים את הביצועים של "אי המתים" ו"ריקודים סימפוניים" באיגן ארבור. המבקר או. דאון כתב: "רחמנינוב הוכיח שיש לו את אותה מיומנות ושליטה בביצועים, מוזיקליות וכוח יצירתי, בהנהגת התזמורת, אותה הוא מראה כשהוא מנגן בפסנתר. אופי וסגנון הנגינה שלו, כמו גם הניצוח שלו, פוגעים ברוגע ובביטחון. זה אותו היעדר מוחלט של ראוותנות, אותה תחושת כבוד ואיפוק ברור, אותו כוח עצום ראוי להערצה. ההקלטות של אי המתים, Vocalise והסימפוניה השלישית שנעשו באותה תקופה, שימרו לנו עדויות לאמנות הניצוח של המוזיקאי הרוסי המבריק.

L. Grigoriev, J. Platek