בוריס יופה |

בוריס יופה

עבודתו של המלחין, הכנר, המנצח והמורה בוריס יופה ראויה כמובן לתשומת לב מיוחדת של מעריצי המוזיקה האקדמית, היא שייכת לדוגמאות הטובות ביותר להגותו של המלחין המודרני. את הצלחתו של יופה כמלחין ניתן לשפוט לפי מי שמבצע ומקליט את המוזיקה שלו. הנה רשימה חלקית של מבצעים ידועים של המוזיקה של יופה: אנסמבל היליארד, רביעיית רוזמונדה, פטרישיה קופאצ'ינסקאיה, קונסטנטין ליפשיץ, איבן סוקולוב, קוליה לסינג, רטו ביירי, אוגוסטין וידמן ועוד רבים אחרים. מנפרד איכר הוציא בלייבל ECM שלו את התקליטור Song of Songs של בוריס יופה בביצוע אנסמבל היליארד ורביעיית רוזמונדה. וולפגנג ריהם שיבח שוב ושוב את עבודתו של יופה וכתב חלק מהטקסט לחוברת של דיסק שיר השירים. ביולי השנה, הוצאת וולק פירסמה בגרמנית ספר מאמרים ומאמר מאת בוריס יופה "משמעות מוזיקלית" ("מוזיקלישר זין").

נראה שיופה יכול להיחשב למלחין מוצלח למדי, אפשר לחשוב שהמוזיקה שלו נשמעת ומוכרת לרוב. בואו נסתכל על מצב העניינים האמיתי. האם המוזיקה של יופה מתנגנת הרבה בפסטיבלי מוזיקה עכשווית? לא, זה לא נשמע בכלל. למה, אנסה לענות להלן. באיזו תדירות הוא מתנגן ברדיו? כן, לפעמים באירופה - במיוחד "שיר השירים" - אבל כמעט לא היו תוכניות שהוקדשו לחלוטין ליצירתו של בוריס יופה (למעט ישראל). יש הרבה קונצרטים? הם קורים ומתרחשים במדינות שונות - בגרמניה, שוויץ, צרפת, אוסטריה, ארה"ב, ישראל, רוסיה - בזכות אותם מוזיקאים שהצליחו להעריך את המוזיקה של יופה. עם זאת, מוזיקאים אלה עצמם נאלצו לפעול כ"מפיקים".

המוזיקה של בוריס יופה עדיין לא כל כך מוכרת ואולי רק בדרך לתהילה (יש רק לקוות ולומר "אולי", כי היו דוגמאות רבות בהיסטוריה שאפילו הטוב ביותר בזמנו לא הוערך על ידי בני זמננו). מוזיקאים שמעריכים בלהט את המוזיקה והאישיות של יופה – בפרט הכנרת פטרישיה קופצ'ינסקאיה, הפסנתרן קונסטנטין ליפשיץ והגיטריסט אוגוסטין וידנמן – טוענים למוזיקה שלו באמנותם בקונצרטים ובהקלטות, אבל זו רק טיפה בים של אלפי קונצרטים.

אני רוצה לנסות לענות על השאלה מדוע המוזיקה של בוריס יופה מושמעת לעיתים רחוקות במיוחד בפסטיבלי מוזיקה עכשווית.

הבעיה היא שהעבודה של יופה לא משתלבת בשום מסגרת וכיוון. כאן יש צורך לומר מיד על העבודה העיקרית והתגלית היצירתית של בוריס יופה - "ספר הרביעיות" שלו. מאמצע שנות ה-90 הוא כותב מדי יום מתוך קטע רביעייה המתאים לדף תווים אחד ללא אינדיקציות קצב, דינמיות או אגוגיות. ניתן להגדיר את הז'אנר של מחזות אלו כ"שיר". כמו שיר, כל יצירה חייבת להיקרא (במילים אחרות, המוזיקאי חייב לקבוע מהמוזיקה את הקצב, האגוגיה והדינמיקה), ולא רק לנגן. אני לא מכיר שום דבר כזה במוזיקה המודרנית (אלאטורית לא נחשבת), אבל במוזיקה עתיקה זה כל הזמן (ב"אמנות הפוגה" של באך אין אפילו סמלים לכלי נגינה, שלא לדבר על טמפו ודינמיקה) . יתרה מכך, קשה "לדחוף" את המוזיקה של יופה למסגרת סגנונית חד משמעית. כמה מבקרים כותבים על המסורות של רגר ושנברג (הסופר והליברית האנגלי פול גריפית'ס), מה שכמובן נראה מוזר מאוד! – אחרים זוכרים את קייג' ופלדמן – האחרון בולט במיוחד בביקורת האמריקאית (סטיבן סמוליר), שרואה משהו קרוב ואישי ביוף. אחד המבקרים כתב את הדברים הבאים: "המוזיקה הזו היא גם טונאלית וגם אטונלית" - תחושות חריגות ולא סטנדרטיות כאלה נחוות על ידי מאזינים. המוזיקה הזו רחוקה מ"הפשטות החדשה" וה"עוני" של פרט וסילווסטרוב כמו שהיא רחוקה מלכנמן או פרניהאו. אותו דבר לגבי מינימליזם. אף על פי כן, במוזיקה של ג'ופה אפשר לראות את הפשטות שלה, החדשות שלה ואפילו סוג של "מינימליזם". לאחר ששמעתי את המוזיקה הזו פעם אחת, אי אפשר עוד לבלבל אותה עם אחרת; זה ייחודי כמו האישיות, הקול והפנים של אדם.

מה אין במוזיקה של בוריס יופה? אין פוליטיקה, אין "בעיות אקטואליות", אין שום דבר עיתון ורגעי. אין בו רעשים ושלישיות בשפע. מוזיקה כזו מכתיבה את הפורמט שלה ואת החשיבה שלה. אני חוזר: מוזיקאי שמנגן את המוזיקה של ג'ופה חייב להיות מסוגל לקרוא תווים, לא לנגן אותם, כי מוזיקה כזו דורשת שיתוף פעולה. אבל גם המאזין חייב להשתתף. מסתבר פרדוקס כזה: נראה שהמוזיקה לא מאולצת ונושמת עם תווים רגילים, אבל כדאי להקשיב למוזיקה בזהירות רבה ולא להיות מוסחת - לפחות במהלך רביעייה של דקה אחת. זה לא כל כך קשה: אתה לא צריך להיות מומחה גדול, אתה לא צריך לחשוב על טכניקה או קונספט. כדי להבין ולאהוב את המוזיקה של בוריס יופה, צריך להיות מסוגל להאזין ישירות וברגישות למוזיקה ולהתקדם ממנה.

מישהו השווה את המוזיקה של יופה עם מים, ואחרת עם לחם, עם מה שנחוץ קודם כל לחיים. עכשיו יש כל כך הרבה עודפים, כל כך הרבה מעדנים, אבל למה אתה צמא, למה אתה מרגיש כמו סנט-אכזופרי במדבר? "ספר הרביעיות", המכיל אלפי "שירים", הוא לא רק מרכז יצירתו של בוריס יופה, אלא גם המקור לרבות מיצירותיו האחרות – תזמורתיות, קאמריות וקוליות.

שתי אופרות עומדות גם הן בנפרד: "סיפורו של הרב ובנו" על פי רבי נחמן ביידיש (המשורר והמתרגם המפורסם אנרי וולכונסקי השתתף בכתיבת הליברית) ו"אסתר ראסין" על פי הטקסט המקורי של גדול הצרפתים. מַחֲזַאִי. שתי האופרות לאנסמבל קאמרי. ה"רבי", שמעולם לא בוצע (חוץ מההקדמה), משלב כלי נגינה מודרניים ועתיקים - בכיוונים שונים. אסתר נכתבה לארבעה סולנים ולהרכב בארוק קטן. הוא הועלה בבזל ב-2006 ויש להזכיר אותו בנפרד.

"אסתר ראצ'ינה" הוא מחווה (הומאז') לרמאו, אך יחד עם זאת האופרה אינה סטייליזציה והיא כתובה באופן המוכר שלה. נראה שדבר כזה לא קרה מאז אדיפוס רקס של סטרווינסקי, שאיתו אפשר להשוות את אסתר. כמו האופרה-אורטוריה של סטרווינסקי, אסתר לא מוגבלת לתקופה מוזיקלית אחת – היא לא פסטיש לא אישי. בשני המקרים, המחברים, האסתטיקה והרעיון של המוזיקה שלהם ניתנים לזיהוי מושלם. עם זאת, כאן מתחילים ההבדלים. האופרה של סטרווינסקי מתייחסת בדרך כלל מעט למוזיקה שאינה סטרווינסקי; מה שיותר מעניין בו הוא מה שמגיע מההרמוניה והקצב שלו מאשר הבנת הז'אנר של מסורת הבארוק. במקום זאת, סטרווינסקי משתמש בקלישאות, "מאובנים" של ז'אנרים וצורות באופן שניתן לשבור אותם ולבנות אותם מהשברים הללו (כפי שעשה פיקאסו בציור). בוריס יופה לא שובר כלום, כי מבחינתו הז'אנרים והצורות הללו של מוזיקת ​​הבארוק אינם מאובנים, ובהקשבה למוזיקה שלו אפשר גם להשתכנע שהמסורת המוזיקלית חיה. האם זה לא מזכיר לך את... נס תחיית המתים? רק, כפי שניתן לראות, המושג (ועוד יותר מכך התחושה) של נס נמצא מחוץ לתחום החיים של האדם המודרני. הנס שנלכד ברשימותיו של הורוביץ נמצא כעת כגסות רוח, והניסים של שאגאל הם צלחות נאיביות. ולמרות הכל: שוברט חי בכתביו של הורוביץ, והאור ממלא את כנסיית סטפן הקדוש מבעד לחלונות הוויטראז' של שאגאל. הרוח היהודית והמוזיקה האירופית קיימים למרות הכל באמנות של יופה. "אסתר" חפה לחלוטין מכל אפקט של אופי חיצוני או יופי "מבריק". כמו הפסוק של רסין, המוזיקה מחמירה וחיננית, אבל בתוך הצנע החינני הזה, ניתן חופש למגוון של ביטויים ודמויות. קימורי החלק הווקאלי של אסתר יכולים להיות שייכים רק לקיסרית היפה, לכתפיה הרכות והמפוארות... כמו מנדלשטם: "... כולם שרים נשים ברוכות עם כתפיים תלולות..." בו בזמן, בעיקולים הללו אנו שומעים כאב, רעד, כל כוח של ענווה, אמונה ואהבה הונאה, יהירות ושנאה. כנראה שלא כך בחיים, אבל לפחות באמנות נראה ונשמע את זה. וזו לא רמאות, לא בריחה מהמציאות: ענווה, אמונה, אהבה - זה מה שהוא אנושי, הכי טוב שיש בנו, אנשים. כל מי שאוהב אמנות רוצה לראות בו רק את היקר והטהור ביותר, וממילא יש מספיק לכלוך ועיתונים בעולם. וזה לא משנה אם הדבר היקר הזה נקרא ענווה, או כוח, או אולי שניהם בבת אחת. בוריס יופה, באמנותו, ביטא ישירות את רעיון היופי שלו במונולוג של אסתר מהמערכה השלישית. לא במקרה החומר והאסתטיקה המוזיקלית של המונולוג מגיעים מ"ספר הרביעיות", יצירתו המרכזית של המלחין, שם הוא עושה רק את מה שהוא רואה צורך לעצמו.

בוריס יופה נולד ב-21 בדצמבר 1968 בלנינגרד למשפחה של מהנדסים. האמנות תפסה מקום חשוב בחיי משפחת יופה, ובוריס הקטן הצליח להצטרף לספרות ולמוזיקה די מוקדם (באמצעות הקלטות). בגיל 9 החל לנגן בכינור בעצמו, למד בבית ספר למוזיקה, בגיל 11 הלחין את הרביעייה הראשונה שלו, שנמשכה 40 דקות, שהמוזיקה שלה הפתיעה את המאזינים במשמעותה. לאחר כיתה ח' נכנס בוריס יופה לבית הספר למוזיקה בכיתת כינור (פד' זייצב). בערך באותו זמן התקיימה פגישה חשובה עבור יופה: הוא החל לקחת שיעורים פרטיים בתיאוריה מאדם סטרטייבסקי. סטרטייבסקי הביא את המוזיקאי הצעיר לרמה חדשה של הבנה של מוזיקה ולימד אותו הרבה דברים מעשיים. יופה עצמו היה מוכן לפגישה זו באמצעות המוזיקליות העצומה שלו (אוזן רגישה, זיכרון, ובעיקר, אהבה בלתי ניתנת לכיבוי למוזיקה, חשיבה עם מוזיקה).

אחר כך היה שירות בצבא הסובייטי והגירה לישראל בשנת 1990. בתל אביב נכנס בוריס יופה לאקדמיה למוזיקה. רובין והמשיך את לימודיו אצל א.סטרטייבסקי. ב-1995 נכתבו הקטעים הראשונים של ספר הרביעיות. האסתטיקה שלהם הוגדרה ביצירה קצרה לשלישיית כלי מיתר, שנכתבה עוד בצבא. כמה שנים לאחר מכן הוקלט הדיסק הראשון עם רביעיות. ב-1997 עבר בוריס יופה לקרלסרוהה עם אשתו ובתו הראשונה. שם למד אצל וולפגנג ריהם, נכתבו שם שתי אופרות וארבעה דיסקים נוספים יצאו לאור. יופה חי ועובד בקרלסרוהה עד היום.